Un atelier en plein air

Louis-Alexandre Dubourg avait le goût des paysages bucoliques à l’image de ce “Ramassage des pommes près de Honfleur (Saint-Siméon)”, évocation d’une scène du quotidien dans le verger de la ferme. C’est cette Normandie simple qu’il aime et devient son véritable atelier en plein air. Dans le tableau, Dubourg ne cherche ni effet spectaculaire ni mise en scène flamboyante. Seulement la mer, des arbres et deux jeunes enfants qui s’affairent en cueillant des pommes dans un verger normand. La lumière douce, les pommiers et le panorama maritime composent une scène qui témoigne d’une maîtrise remarquable.

Dubourg affectionne la nature, les scènes de marchés aux poissons, les marines,
mais c’est surtout avec les paysages maritimes et les scènes de la vie quotidienne qu’il s’impose. Il habite, près des quais, à Honfleur et se déplace régulièrement à la ferme Saint-Siméon pour rejoindre la communauté de ses amis et artistes, logée auprès de la mère Toutain. Il aura des échanges de travail réguliers avec Claude Monet quand ils se retrouverons sur les quais, lui saisissant les reflets de la lumière sur l’eau pendant que Dubourg s’attelait aux marchés aux poissons et aux marines.

Une vie en retrait

Sensiblement différent de son ami Eugène Boudin qui avait besoin de s’imprégner de l’atmosphère artistique de la capitale et qui passait souvent l’hiver dans son atelier parisien, Dubourg était un amoureux du pays d’Auge et du port de Honfleur. Paris ne l’intéressait guère, il n’y fit qu’une petite incursion en suivant les cours du Prix de Rome Léon Cogniet (1794-1880) et choisit de revenir très tôt à Honfleur (son port natal) où il deviendra professeur de dessin.

Selon les biographes, il mène une existence très retirée, consacrant ses seules sorties à la fréquentation de la ferme Saint-Siméon où il retrouve Cals, Monet et Boudin. C’est d’ailleurs avec l’aide de ce dernier qu’il fondera, en 1868, le Musée Municipal de Honfleur, aujourd’hui connu sous le nom de Musée Eugène Boudin. Ce musée, essentiellement consacré aux œuvres des peintres préimpressionnistes, dont celles d’Eugène Boudin (1824-1898), témoigne de l’engagement de Dubourg envers les arts et sa communauté. Il en deviendra le premier conservateur en 1869.

A part quelques catalogues d’expositions, il n’y a que peu de témoignages sur ses tableaux et sa manière de travailler. Ce choix de vie éclaire aussi son œuvre. Alors que beaucoup d’artistes rêvent d’une carrière parisienne, Dubourg trouve son inspiration dans les vergers du Pays d’Auge, les quais de Honfleur et les paysages de l’estuaire.

Une autre voix normande

En écho avec son magnifique tableau “Ramassage des pommes près de Honfleur (Saint-Siméon)”, j’ai choisi les vers de la poétesse honfleuraise Lucie Delarue-Mardrus (1874-1945) qui connaîtra son apogée littéraire dans les années 1900-1914 et exprimera, souvent, dans ses oeuvres son désir d’évasion et son amour profond pour la Normandie.

L’Odeur de mon Pays

L’odeur de mon pays était dans une pomme.
Je l’ai mordue avec les yeux fermés du somme,
Pour me croire debout dans un herbage vert.
L’herbe haute sentait le soleil et la mer,
L’ombre des peupliers y allongeaient des raies,
Et j’entendais le bruit des oiseaux, plein les haies,
Se mêler au retour des vagues de midi.
Je venais de hocher le pommier arrondi,
Et je m’inquiétais d’avoir laissée ouverte
Derrière moi, la porte au toit de chaume mou..
Combien de fois, ainsi, l’automne rousse et verte
Me vit-elle, au milieu du soleil et, debout,
Manger, les yeux fermés, la pomme rebondie
De tes prés, copieuse et forte Normandie ?...
Ah ! je ne guérirai jamais de mon pays !
N’est-il pas la douceur des feuillages cueillis
Dans leur fraîcheur, la paix et toute l’innocence !
Et qui donc a jamais guéri de son enfance ?

Lucie Delarue-Mardrus.

La fin du voyage

Je souhaitais évoquer, brièvement, la mémoire de Louis-Alexandre Dubourg, ce peintre tout en retenue qui fit partie des « Rencontres de Saint-Siméon » avec, au début des années 1860, toute l’avant-garde de la peinture : Boudin, Monet, Courbet, Jongkind, Bazille, Daubigny père et fils, Ribot, Cals. Moins célèbre que Monet ou Boudin, il demeure pourtant l’un des meilleurs témoins de son époque nous permettant, ainsi, d’avoir un panorama plus complet de la vie honfleuraise au XIX^e siècle.

Si vous souhaitez approfondir vos connaissances sur cet artiste, sachez que ses oeuvres figurent dans plusieurs musées français tels que le musée d’Orsay à Paris et le musée des Beaux-Arts de Honfleur, témoignant de sa maîtrise artistique et de son amour profond pour la Normandie.

Alix, l’Art en Voyage.

En savoir plus sur Louis-Alexandre Dubourg :

• Editions des Falaises

• Musée de Honfleur

  Si vous désirez soutenir l’avenir de cette newsletter, n’hésitez pas à la partager devant un plat gastronomique normand et abonnez-vous pour recevoir les prochaines publications !

S'abonner maintenant

La Ferme Saint-Siméon : un refuge au berceau de l’impressionnisme

Sur les hauteurs de Honfleur, à la ferme-auberge Saint-Siméon, la Mère Toutain régalait les jeunes artistes-peintres tels que Jongkind, Courbet et Daubigny venus saisir la lumière de l’Estuaire et explorer de nouvelles voies artistiques avec Eugène Boudin. Chaque été, la ferme devenait leur point de ralliement, un foyer de création et le symbole d’une vie communautaire simple mais stimulante. Les champs bordés de haies avec leurs pâturages verdoyants et leurs troupeaux de bétail offraient aux peintres d’innombrables sujets “de plein air” à créer.

Que pouvait-on manger à la ferme Saint-Siméon ?

La Mère Toutain travaillait, essentiellement, des produits locaux : poissons de l’Estuaire (maquereaux, crevettes, soles, etc.), volailles, poulets d’Auge ainsi que les fruits de son verger. Elle nourrissait les peintres avec une cuisine paysanne traditionnelle et copieuse, les plats mijotés et les ragoûts étaient populaires car ils permettaient de préparer des repas nourrissants avec des ingrédients simples. Au niveau des fromages, on peut citer le camembert de Normandie, le Neufchâtel, le Livarot et le Pont-L’évêque. Quant aux desserts, dans les plus connus, vous pouviez déguster la falue (gâche normande), la teurgoule, la tarte normande, le bourdelot normand (aux pommes) qui se nomme aussi “douillon” dans sa version à la poire.

La Mère Toutain cuisinait à la bonne franquette, sans balance, ni livre de cuisine. Il n’existe donc aucun cahier secret de “recettes officielles”. Seuls les témoignages des peintres et les archives locales permettent d'en retrouver l'esprit.

La recette des maquereaux à l’oseille des impressionnistes :

Vous pouvez retrouver le goût et l’esprit de sa recette avec une préparation très simple et fidèle aux usages du XIXᵉ siècle : du maquereau bien frais, de l’oseille, du beurre et une poêle…

Les ingrédients pour 4 personnes :

• 4 beaux maquereaux bien frais (vidés et levés en filets)

• 2 grosses poignées d’oseille fraîche du marché

• 50 g de bon beurre normand

• 3 cuillères à soupe de crème fraîche épaisse de Normandie

• Sel, poivre du moulin et un trait de jus de citron

1. La tombée d’oseille

Lavez et équeutez l’oseille. Dans une casserole, faites fondre la moitié du beurre et jetez-y l’oseille. Elle va “fondre” et changer de couleur en une minute à peine. Ajoutez la crème fraîche, salez, poivrez et laissez mijoter à feu très doux pendant 3 minutes.

2. La cuisson des peintres

Dans une poêle, faites mousser le reste du beurre. Saisissez les filets de maquereau, côté peau, pendant 3 minutes pour qu’elle soit bien croustillante, puis retournez-les juste 1 minute, côté chair.

3. Le dressage

Nappez le fond de vos assiettes avec la crème à l’oseille bien chaude, déposez les filets de maquereau par-dessus et terminez par un filet de jus de citron.

Une autre spécialité de la mère Toutain…

Dans les auberges normandes du XIXᵉ siècle, les crevettes étaient servies souvent très simplement : cuites, posées dans un grand plat, accompagnées de pain brié et de beurre ou parfois de vinaigre de cidre. Si le maquereau à l’oseille était un plat nourrissant pour les artistes, on imagine très bien, sur la table de la Ferme Saint-Siméon, de grandes assiettes de crevettes cuites à l’eau ou sautées à la poêle, simplement préparées (à manger avec les doigts), en discutant des ciels de Honfleur et des lumières changeantes avec la mère Toutain…

Prolonger le voyage à Honfleur

Après avoir retrouvé les saveurs de la Ferme Saint-Siméon dans votre cuisine, pourquoi ne pas poursuivre l'expérience directement à Honfleur ? La gastronomie locale reste profondément attachée aux produits normands : soles de l'Estuaire, coquilles Saint-Jacques, beurre d'Isigny, camembert fermier… En été, le maquereau est en pleine saison et figure souvent à l'ardoise des restaurants, une belle occasion de prolonger ce voyage gourmand face au Vieux Bassin...

Si cette recette vous a donné envie de découvrir Honfleur autrement, voici deux adresses où prolonger cette parenthèse normande :

• Restaurant L’Absinthe

  10 Quai de la Quarantaine - 14600 Honfleur

• Restaurant Le Vieux Honfleur

  13 Quai Saint-Etienne
  Le Port - 14600 Honfleur

J'espère que cette escapade gourmande vous donnera envie de prolonger le voyage dans le port de Honfleur et je vous souhaite de très belles vacances d’été pour celles et ceux qui auront la chance de partir à la fin de la semaine…

Alix,
L’Art en Voyage.

En savoir plus sur la ferme Saint-Siméon :

This newsletter is also available through Substack’s automatic translation.

S'abonner maintenant

Mon arrivée à la ferme

La ferme était située à mi-hauteur du flanc de la Côte de Grâce, en bordure de la ville. On me l’avait conseillée pour son magnifique panorama sur l’estuaire de la Seine, son ambiance artistique mais aussi pour les spécialités culinaires de la patronne comme les crevettes sautées et le maquereau à l’oseille.

Lorsque je franchis la porte, la salle était déjà presque pleine et ça sentait bon l’odeur du cidre, du bois coupé et des herbes fraîches. Deux chats se faufilaient entre les grandes tables en bois, cherchant vraisemblablement des restes de sardine pendant qu’un groupe d’habitués discutait ferme, leurs boîtes de couleurs posées contre le mur. Il y avait un grand pain qui passait de main en main, des couteaux pour chacun. Le cidre aux reflets d’or moussait dans les verres et on voyait briller les yeux de ces hommes qui blaguaient comme de grands enfants. J’avais posé mon sac à l’entrée quand la mère Toutain s’approcha de moi.

- Si vous cherchez une chambre tranquille, mon p’tit, ce sera difficile. Les peintres occupent déjà la moitié de la maison. Ils rentrent couverts de boue, mais ils paient toujours leur soupe.”
- Peu importe, Madame Toutain, donnez moi celle que vous voulez…

Madame Toutain était plutôt maigre, l’allure dynamique et me regardait avec ses grands yeux rieurs. il faut dire que j’étais tout crotté avec l’allure d’un vagabond sorti de nulle part.

- Asseyez-vous là, répondit-elle d’une voix ferme ! On vous servir une bonne soupe et vous irez vous coucher, vous avez l’air de pas tenir debout…

Elle m’avait installé vers une table plus isolée, loin du groupe des huit pensionnaires, plutôt en verve, qui avait déjà terminé au moins un pichet de cidre chacun. Ma veste était posée sur le banc, à côté de mon sac, comme si j’allais repartir dans la demi-heure. Après la soupe à l’oignon, j’avais commandé un civet de lapin mijoté avec des légumes du jardin, une assiette de fromages et un teurgoule. Il n’y avait plus de maquereau, tout avait été englouti avec le repas du midi !

Lorsque les assiettes furent presque vides, j’entendis les couteaux de certains pensionnaires frappant sur la table pour demander un supplément de Pont Levêque. Madame Toutain virevoltait entre nous, plaisantait et déposait toujours des trésors dans nos assiettes. Après le dessert, le groupe des peintres m’invita à sa table. Nous avons parlé longtemps dans la soirée, l’eau de vie de pommes avait délié ma langue et je partageais maintenant leur enthousiasme pour la vie rurale et la peinture de plein air “sur le vif”.

L’un d’eux m’avait vraiment convaincu. De mémoire, je crois qu’il s’appelait Eugène…. et parlait avec passion des nuages, des marées et de cette lumière changeante sur la côte normande qui semblait ne jamais se répéter. Après un dernier verre et de grands adieux festifs, je partis me coucher avec, dans la tête, comme une impression de soleil couchant…

L’Estuaire, les peintres et la route de Saint-Siméon

Lorsque j’ai ouvert la fenêtre, le lendemain matin, je fus ébloui par la vue dégagée sur l’Estuaire et cette atmosphère de douceur champêtre qui enveloppait tout le jardin. Je voyais les bateaux au large, des voiles de toutes les tailles et deux adolescents qui ramassaient les pommes dans le verger.

Au fond du jardin, un homme à la barbe hirsute peignait en silence. En descendant prendre mon petit déjeuner, je questionnai la patronne qui me souffla qu’il s’agissait d’un certain Eugène, un habitué de la maison qui connaissait beaucoup de monde. D’ailleurs, “c’est simple disait-elle, la ferme n’a jamais été remplie qu’avec lui”. Il faut dire qu’il avait embarqué dans ses bagages une véritable communautés d’artistes, de peintres et de poètes qui venaient là pour la beauté des paysages et pour échanger leurs expériences artistiques. Ils savaient, aussi, que Madame Toutain accepteraient leurs oeuvres en règlement de leur pension au cas où (ce qui était important pour des artistes désargentés).

Nous étions déjà une bonne dizaine de pensionnaires, charpentiers, gens de la mer ou artistes, attablés devant les bols fumant que la mère Toutain, levée depuis l’aube, nous avait préparés. Je croquais dans mes tartines de pain qu’elle avait grillées sur le feu de bois. Avec du beurre normand salé dessus ou de la crème fraîche persillée, c’était un vrai délice.

Deux jeunes peintres, leur boîte à couleurs sous le bras, me saluèrent rapidement et semblaient se diriger vers la route de Saint-Siméon. La mère Toutain me confia que l’un d’eux était passionné par cette route dont il avait déjà fait plusieurs toiles à toutes les saisons. Elle m’a dit qu’il s’appelait Claude je ne sais plus comment, Ah ! si…. Claude Monet, quelque chose comme ça !

Je finis rapidement mon bol de café et décidais de les suivre, à pied.

Par son isolement à mi-hauteur du flanc de la Côte de Grâce, la ferme était relativement préservée du tourisme par rapport aux communes de Trouville et Deauville et nous ne croisions pas encore trop de monde sur les sentiers, à part des artistes éblouis par la côte qui finissaient par revenir plusieurs fois comme pensionnaire à la ferme. J’allais maintenant les rejoindre et ouvrir une nouvelle page de mon histoire.

La fin du voyage

Les vagues continuent de rouler sur l’Estuaire de la Seine mais nous sommes, désormais, arrivés à la fin du voyage. Les rires des pensionnaires se sont éteints depuis longtemps, la voix de la mère Toutain aussi. Pourtant, il suffit d'un tableau d’Eugène Boudin pour retrouver l’élan créateur du courant impressionniste qui allait traverser les siècles jusqu’à nos jours…

En espérant que vous avez apprécié cette petite immersion culturelle sur la côte normande, je vous dis à la semaine prochaine pour de nouvelles aventures !

Alix,
L’Art en Voyage.

Pour aller plus loin :

• Editions des Falaises

• Festival Normandie Impressionniste 2026

S'abonner maintenant

Avec le succès, en 1836, du roman ““Histoire de Romain d’Etretat” d’Alphonse Karr et l’essor des bains de mer (1843-1844), très appréciés pour leurs vertus thérapeutiques, les parisiens aisés et le monde artistique se pressent à Etretat ! Tout s’accélère, la plage et le front de mer se voient dotés d’équipements dédiés à ces nouveaux arrivants : cabanes, hôtels, casino… La transformation du village est en marche !

1) Lundi 9 juillet 1860, 17h30.

J’étais arrivé, en fin d’après-midi, par l’omnibus à cheval que nous avions réservé au Havre pour rejoindre Etretat. Une trentaine de kilomètres ornés de sentiers côtiers en compagnie d’une jeune comtesse sartoise accompagné de ses parents, un clerc de notaire en fin d’études et trois musiciens de l’Opéra de Paris qui avaient fait le pari de montrer leurs nouvelles compositions à Jacques Offenbach, au Casino. Au dernier moment, j’avais fait jouer mes relations pour obtenir une chambre devant le front de mer car elles étaient déjà toutes réservées…

Vers 18 heures, je partis dîner au restaurant du Casino où j’avais rendez-vous avec d’anciens camarades. Comme l’année dernière, j’aperçus ma cousine Jeanne qui était venue faire une saison au Casino. Elle avait une peau blanchâtre, semblable à la craie des falaises, des cheveux remontés en chignon et une grâce indicible dans chacun de ses mouvements. Mon ami Alfred, qui l’avait rencontrée à Paris, répétait en boucle que c’était “une fille d’avril, une fille difficile, qui ne veut pas découvrir d’un fil tout ce qu’elle a, ni son coeur, ni son corps, c’est comme ça”. Alfred était un garçon étrange, au caractère très intuitif. Jeune musicien plutôt dans le courant romantique et féru de séances d’occultisme, il me racontait souvent ces séances parisiennes devenues un divertissement mondain où des médiums à la réputation sulfureuse invoquaient l’esprit des morts sous les yeux crédules d’aristocrates ou d’écrivains en quête de révélations mystiques. Après le dîner, nous partîmes rejoindre des camarades dans la salle de billard.

2) Dimanche 11 juin 1860, 8 heures 30

Lorsque j’ouvre les volets, il est tôt et une légère brume flotte encore au pied des falaises. J’ai ouvert la fenêtre qui sent le sel de mer et je me suis empli les poumons de ces senteurs d’océan. Quelques pêcheurs au loin arrangeaient leurs filets avec leurs femmes, les nuages de la veille avaient fui. Tout était grand, démesuré, dans une palette de couleurs blanche et bleutée que seuls des peintres ou des poètes auraient pu interpréter. Je pris la décision de me restaurer autour d’un copieux petit déjeuner avant de rejoindre le bord de mer.

En descendant sur la plage, je croisais un vieux pêcheur qui se dirigeait vers le “Perrey des manants”, une zone réservée pour les pêcheurs depuis que la plage avait été coupée en deux. Elle était encombrée de barques, cabestans et « caloges », ces bateaux hors d’usage recouverts d’un toit de chaume pour stocker le matériel de pêche. Il n’y avait pas de port aménagé, les barques étaient simplement échouées sur le galet et remontées au cabestan hors de portée de la marée.

La plage était petite, encadrée par ces hautes falaises blanches et comme transpercées de ces trous singuliers qu’on nomme les Portes. “A l’heure de la pleine mer, on peut passer sous les Portes en canot”, m’ indiqua le pêcheur. On sentait qu’il était heureux de parler de son village natal. Il continua de m’expliquer que la mer avait creusé des cavernes, revêtues d’algues et de varechs dont les reflets sur les parois formaient des coloris chatoyants.

3) Dimanche 11 juin 1860, 10 heures 30

J’avais retrouvé Alfred comme prévu pour l’heure des bains. Il avait revêtu son costume de bain noir, une tunique boutonnée s’arrêtant juste en haut des cuisses et un pantalon court qui le couvrait jusqu’au dessus des genoux. Les bains étaient mixtes, hommes et femmes pouvaient se baigner ensemble. La plage était divisée en deux avec une zone réservée pour les baigneurs (en face du Casino) et une autre réservée aux pêcheurs. Il y avait beaucoup de monde. Des femmes en robe de crinoline qui bavardaient, d’autres qui marchaient vers le bord de l’eau avec leurs ombrelles étendues.

Je n’avais pas voulu me baigner avec Alfred alors il s’était éloigné pour rejoindre un groupe d’étudiants qui pratiquaient le bain “à la lame” dont les vertus thérapeutiques étaient recommandées par le monde médical. Il s’agissait de plonger subitement une personne dans l’eau de mer et plusieurs fois de suite ! J’étais amusé par ce déploiement de muscles virils et hors du commun qui ployaient des têtes ou des corps, immergés sous l’eau, manquant de s’étouffer…

Un peu plus loin, des hommes élégants flânaient devant les tentes de plage attendant la sortie des baigneuses pour se moquer de leurs coiffures détrempées ou sourire devant l’état de leurs costumes après le bain. Alfred avait remarqué la silhouette d’une grande femme brune drapée dans un peignoir de flanelle qu’elle rejetait dès qu’elle frôlait l’écume des vagues. Elle était littéralement ensevelie par le poids des vêtements mais, au XIXᵉ siècle, la pudeur était essentielle pour les femmes qui étaient très observées. La plage était un véritable théâtre où la baignade devenait un rituel mondain. On venait se baigner, se montrer et surtout observer les autres…

Finalement, j’avais fait un signe à Alfred que je n’allais pas l’attendre. J’avais décidé de grimper le long de la falaise par les sentiers du bord de mer. Je marchais dans la senteur des côtes marines, fouetté par l’air léger du large et l’esprit libre, pensant à tous les artistes qui avaient déjà foulé ces sentiers sauvages pleins de bruyères et d’ajoncs.

4) La fin du voyage

Les vagues continuent de rouler sur les galets depuis plus d'un siècle et demi. Les cabines ont disparu, les costumes de bain aussi. Pourtant, il suffit d'un tableau d’Eugène Lepoittevin ou d’une nouvelle comme “Le Modèle” (1883) de Guy de Maupassant pour retrouver, l'espace d'un instant, l’Étretat des premiers bains de mer.

En attendant la suite d’une nouvelle promenade culturelle avec l’Art en Voyage, prenez soin de vous et à la semaine prochaine pour de nouvelles aventures !
Alix.

Pour aller plus loin

• Les villas d’Étretat, Shortand Social

• Les carnets de Polycarpe

• Le Stéréopôle

S'abonner maintenant

1) Juillet 1869, gare Saint-Lazare

La chaleur est déjà écrasante lorsque nous arrivons sur le quai en direction de Chatou. Je suis avec Pierre et Jean, mes deux jeunes cousins qui veulent absolument suivre les conseils de leur professeur d’Académie et découvrir l’île de Croissy-sur-Seine, sa végétation luxuriante et son goût de paradis perdu ! Autour de nous, beaucoup de familles, certaines élégantes et d’autres plus démonstratives qui n’hésitent pas à chahuter avec leurs enfants ! Tous se pressent pour trouver des places assises, l’heure tourne. Enfin, le signal du départ, la locomotive démarre. Devant les fenêtres, nous pouvons enfin nous détendre et oublier les soucis de la semaine. Pierre a déjà sorti son carnet de croquis, un vieux réflexe qui date de son enfance. En moins d’une demi-heure, le train arrive à Chatou. À peine descendus du train, nous sommes emportés par la foule qui se disperse. Il ne reste plus qu’un kilomètre avant d’arriver aux bains froids de la Grenouillère et nous décidons d’y aller à pied...

2) L’arrivée à la Grenouillère

En général, tous les parisiens que nous connaissons vont à la Grenouillère pour pratiquer le canotage, faire une partie de pêche ou danser le quadrille sur l’établissement flottant qui fait office de guinguette ! Chacun y trouve son compte, gens de lettres, musiciens, peintres ou ouvriers, c’est assez cosmopolite ! L’établissement est composé de deux anciennes péniches amarrées sous les arbres. A ses côtés, on aperçoit un îlot arrondi planté d’un arbre et surnommé le « Pot-à-fleurs » ou « Camembert ». Il est souvent encombré d’hommes et femmes à la mode ou de baigneurs qui plongent dans l’eau. Avec Pierre et Jean, nous avions prévu de canoter toute l’après-midi, prendre un verre et peut être rester dîner pour découvrir le spectacle des péniches ornées de guirlandes et de grappes de lumières avec le soleil couchant.

Devant nous, les rameurs attendent. Plusieurs yoles sont déjà parties, on peut les louer à la journée, c’est pratique. Il y a déjà beaucoup de monde, des ouvriers en manches de chemise, la redingote sous le bras, des femmes endimanchées avec leurs éventails étendus et des étudiants qui bavardent. Les bateaux, un à un, se détachent du ponton et glissent sur la rivière, s’éloignent et finissent par disparaître. Certaines femmes portent des ombrelles, d’autres transportent des paniers de pique-nique.

Jean a pris les avirons avec un air déterminé devant le canotier, légèrement amusé. Personne n’a voulu le contrarier et il s’est attelé avec beaucoup de sérieux à plonger méthodiquement les avirons dans l’eau comme un vrai professionnel. Leur clapotis rafraîchissait nos cœurs et nos âmes. Nous naviguions à côté d’autres embarcations, que des canotiers manoeuvraient en sifflotant. Pour nous protéger du soleil, nous avions sur la tête des petits chapeaux ronds ornés d’un ruban (canotier). Mon cousin Jean les appréciaient beaucoup et avait déjà prévu d’en acheter deux autres avant les prochaines fêtes de Noel !

Après avoir tourné le coude de la rivière, enfin nous vîmes le bateau péniche de la Grenouillère. Il était immense et amarré contre la berge. On entendait beaucoup de bruit, des cris de joies et des rires. Nous franchîmes la passerelle étroite sans tomber (ce qui fut un exploit) pour rejoindre le “Camembert”, ce petit îlot avec un seul arbre où l’on pouvait plonger directement dans la Seine. Moi, je ne pensais qu’à enfiler un costume de bain rayé et plonger dans l’eau avant que le soleil ne soit trop haut...

Paul voulut d’abord aller boire un verre dans la péniche. A l’intérieur, il y avait beaucoup de monde, de la musique et un piano. Des grandes tables en bois recouvertes de verres étaient disposées où des grands gaillards s’étaient installés et chantaient avec entrain pendant que des couples, plus loin, dansaient la polka ou la valse. Des groupes de canotiers debout sur le toit de la péniche (le bateau avait un toit) se jetaient dans l’eau, éclaboussant les consommateurs les plus proches qui poussaient des hurlements. Il fallait s’amuser dans l’instant, sans penser au lendemain.

3) Claude et Pierre-Auguste, deux jeunes peintres

Au loin, en face du Camembert qui reliait l’île au bateau ponton, deux jeunes peintres bavardaient en commençant à installer leur chevalet. L’un d’eux avait un visage ténébreux avec une barbe brune fournie, l’autre avait un visage qui semblait plus jeune. Paul les avait déjà rencontrés car ils venaient souvent effectuer des repérages et trouver des points de vue à leurs goûts selon les différentes heures de la journée.

Pour des artistes peintres, il faut dire que l’atmosphère était idéale. D’abord sur le fleuve, avec l’activité des nageurs, le va-et-vient des yoles et les reflets du fleuve qui n’étaient jamais identiques selon la lumière et la position du soleil. Ensuite, spectacle assuré sur la péniche avec les danseuses aux robes chatoyantes et qui montraient effrontément leurs mollets en dansant le chahut ou avec d’autres couples qui dansaient le quadrille ou parlaient haut et fort avec de jeunes canotiers. Tout était sujet à créer des esquisses (pochades) mémorables.

En tout cas, nous étions tous fascinés par l’endroit, la douceur de vivre et ce sentiment de liberté qui nous emplissait les poumons (la marée chaussée ne s’aventurait jamais ici ) et nous nous étions promis de revenir le plus souvent possible dans ce qui était, pour nous, un coin de paradis !

4) La fin du voyage

Le voyage se termine maintenant, le train est reparti depuis longtemps et les péniches ont disparu. Quelquefois, notre imagination nous transporte dans une époque où l’on aurait aimé passer un dimanche d’été. Pour que ce dimanche d’été 1869 reprenne vie, il nous suffit juste de lire Maupassant et de (re)découvrir les six tableaux de Monet et Renoir ayant posé, cet été là, les bases de la révolution impressionniste.

Si vous souhaitez poursuivre ce voyage, partez sur les bords de Seine à la découverte des impressionnistes (Chatou, Bougival, Marly, Louveciennes, etc.) dans ces lieux magiques et empreints de poésie !

A la semaine prochaine pour une nouvelle promenade avec L’Art en Voyage !
Alix.

Retrouvez deux tableaux peints par Monet et Renoir à la Grenouillère en 1869 (cliquez sur le lien) :

• The National Gallery, London

• National Museum, Stockholm

S'abonner maintenant

Imaginez quelques instants revenir en arrière ! Nous sommes en 1904. Une route droite, interminable, quelque part entre Paris et l’Est de la France. Au loin, on entend le sifflement caractéristique d’un train qui file à pleine vapeur. Et soudain, surgit un monstre mécanique : une Panhard & Levassor rouge, hurlante, qui avale la route comme un démon. Au volant, le pilote automobile américain George Heath. À ses côtés, le destin d’une marque qui va révolutionner le monde : Michelin. C’est cette scène mythique que l’illustrateur Ernest Montaut a immortalisée dans l’une des affiches les plus puissantes du XXe siècle : « Le pneu Michelin a vaincu le rail ».

Ernest Montaut : un jeune génie face à la vitesse

Ernest Montaut n’a que 27 ans lorsqu’il crée cette œuvre. Mort prématurément à 31 ans, il est pourtant l’un des premiers artistes à avoir compris que la vitesse était le nouveau sujet du siècle. Avant lui, on peignait des chevaux au galop. Montaut, lui, doit inventer une nouvelle grammaire visuelle pour représenter des machines qui roulent à plus de 100 km/h. Comment rendre visible ce que l’œil humain n’arrive pas encore à suivre ? Sa solution est géniale : il étire les lignes, déforme la perspective, trace des traits de vitesse derrière les roues. Il invente presque le motion blur avant l’heure. Sur son affiche, la voiture semble littéralement fendre l’air, tandis que le train, pourtant symbole de modernité quelques années plus tôt, apparaît déjà comme un dinosaure dépassé.

Le langage graphique de Montaut

Pour représenter cette vitesse inédite, Montaut invente un langage graphique entièrement nouveau. Les roues semblent dévorer la route, les perspectives se déforment, les lignes prolongent le mouvement de la voiture et donnent au spectateur l'impression d'assister lui-même à la course. Bien avant la bande dessinée moderne ou le cinéma d'action, il réussit à faire ressentir la vitesse sur une image immobile. Ses affiches ne sont pas statiques : elles racontent une histoire en une seule image. Montaut a inventé le vocabulaire visuel de la vitesse au XXe siècle.

Le duel mythique

Derrière cette affiche très imagée se cache un véritable exploit sportif et marketing. En 1904, Michelin organise une course insensée : une voiture équipée de ses nouveaux pneus doit battre un train sur une distance de 640kms (400 miles). George Heath relève le défi. Pendant des heures, il pousse sa Panhard à bout, changeant de pneus avec une rapidité folle, tandis que le train file sur ses rails. La voiture gagne en devançant (de plus de 30 minutes) le train le plus rapide du monde !

Michelin tient son slogan publicitaire : « Le pneu Michelin a vaincu le rail » et Ernest Montaut transforme cet événement en une épopée visuelle grandiose. L’affiche est collée sur tous les murs de France. Le public est fasciné. Pour la première fois, la publicité ne vante plus un produit : elle raconte une légende.

Un artiste mort trop tôt

Ernest Montaut meurt en 1909, à l’âge de seulement 31 ans. Jusqu'en 1913, sa femme, Marguerite « Gamy » Montaut poursuivra et développera son activité dans la même lignée. L’influence d’Ernest Montaut est immense, il a ouvert la voie à toute une génération d’affichistes sportifs en inventant le regard que nous portons encore aujourd’hui sur la vitesse. Sans lui, les affiches du Tour de France, des 24 Heures du Mans ou des grands constructeurs n’auraient peut-être pas eu cette puissance !

En attendant, prenez soin de vous et à la semaine prochaine pour une nouvelle aventure culturelle dans l’Art en Voyage !

Alix.

Sources et inspirations :

• Le musée Ernest et Gaby Montaut

Laissez un commentaire.

1) Ernest Montaut (1879-1909)

Cette affiche chromolithographique, originale de 1905, signée Ernest Montaut célèbre l’avènement de l’automobile avec audace et dynamisme. Intitulée « Le pneu Michelin a vaincu le rail » , elle commémore l’exploit d’une automobile Panhard (conduite par George Heath), qui a battu avec 30 minutes d’avance le train le plus rapide du monde sur un parcours de 600 kilomètres.

Dans cette saisissante composition, Montaut saisit avec brio la vitesse et le danger des premières courses automobiles. Lancée à toute allure sur des routes sinueuses, la Panhard décapotable dépasse au loin un train à vapeur, ses pneus Michelin laissant une traînée de mouvement. Les deux pilotes, lunettes de protection sur le nez, incarnent l’esprit de triomphe mécanique et de progrès. Ici, l’affiche n’est pas qu’un simple outil promotionnel mais surtout un message clair comme quoi les pneumatiques Michelin sont supérieurs aux rails en acier.

Alors que les voitures commençaient à concurrencer les trains en termes de vitesse et de fiabilité, Michelin a saisi l’occasion de se positionner comme un visionnaire de l’avenir, avec ses pneus comme symbole de vitesse et de modernité.

Ernest Montaut, pionnier de l’illustration de la vitesse, était réputé pour ses affiches dynamiques de courses, d’avions et d’automobiles. Avec son épouse surnommé “Gamy”, ses œuvres se caractérisent par des effets de vitesses saisissants associés à des tons pastels rendu possibles pour ses tirages lithographiques grâce à une technique à base de pochoir, développée en collaboration avec son imprimeur parisien Mabileau & Cie. Vers 1904, ils vont connaître une relative notoriété internationale, leurs productions graphiques étant vendues dans une galerie new-yorkaise. Jusqu’en 1913, Marguerite « Gamy » Montaut poursuit et développe son activité dans la même lignée (après la mort prématurée de son époux des suites d’une appendicite à l’âge de 31 ans).

2) Henri de Toulouse-Lautrec

Dès les années 1861, date de l’invention de la bicyclette à pédales par Pierre Michaux, le vélo suscite un véritable engouement auprès de la bourgeoisie et des milieux aisés. Clubs, journaux spécialisés, compétitions sportives voient le jour et contribuent à rendre le cyclisme de plus en plus populaire.

Ce sera ensuite l’avènement des affiches publicitaires qui vantent le loisir et le tourisme associé au vélo sans oublier le développement du cyclisme sportif à partir des années 1880. Les compétitions seront de plus en plus nombreuses et de nombreux vélodromes construits sur le territoire français. Devenus de véritables célébrités, les coureurs cyclistes seront largement médiatisés par la publicité.

Que voyons-nous sur l’affiche de Toulouse-Lautrec ?
L’affiche pour les chaînes de vélo fabriquées par la société Simpson représente une course avec des équipes de coureurs sur des vélos à plusieurs selles, ainsi qu’un coureur solitaire. Lautrec a insufflé à la scène l’effervescence d’une course avec des dizaines de cyclistes qui s’agitent sur la piste et ceux en premier plan, le corps penché dans une compétition intense, donnant une impression d’énergie et de vitesse.

Lautrec était un fervent amateur de cyclisme (et de plusieurs autres sports) et observait attentivement toutes ces compétitions. Certains historiens affirment
qu’on le voyait souvent trottiner le long de la piste pour mieux voir les athlètes et leurs équipements tout au long du déroulement de la course. Il est bien connu qu’il saisissait et restituait la plupart des détails avec une grande précision. Le cycliste sur chaîne à levier Simpson, profitant de l’aspiration d’un tandem équipé de la même manière est Constant Huret. Les hommes au centre sont William Spears Simpson et Louis « Spoke » Bouglé (représentant de la marque Simpson en France). La cycliste sur la photo était la cycliste sur piste belge Hélène Dutrieu qui devint, plus tard, la première femme en Europe à obtenir une licence de pilote d’avion.

3) Leonetto Cappiello (1875-1942)

A la suite de Jules Chéret, Leonetto Cappiello, le maître de l’affiche choc, est considéré comme le rénovateur de l’affiche française. Avec ses aplats de couleurs pures, Cappiello transforme ici une discipline élégante et aristocratique en un spectacle de puissance brute. Son génie réside dans sa capacité à condenser l’effort et la tension en une image percutante.

Cappiello construit sa renommée au début du 20ème siècle, en plein boom des affiches publicitaires. Il élève l’affiche de la rue au niveau des Beaux-Arts et collabore à la revue «Frou-Frou», pour laquelle il crée sa première affiche en 1901. En 1903, il conçoit son affiche pour le Chocolat Klaus qui aura un succès immédiat !

La méthode de Cappiello est basée sur la surprise visuelle, il isole des personnages, des clowns ou des visages aux couleurs contrastées sur un fond souvent noir et plutôt sombre. La marque est inscrite en grand, avec une typographie très lisible et une couleur qui contraste avec le reste de l’image. L’important est de capter l’attention par une émotion visuelle et esthétique, même si le sujet de l’affiche n’a pas de lien direct avec la marque ou le produit.

Cappiello souvent surnommé «le père de la publicité moderne» est l’un des plus importants créateurs d’affiches au monde. Son style unique, l’un des principaux d’Europe, inspirera de nombreux artistes jusque dans les années 1940.

4) Jules Chéret

Jules Chéret, lithographe de formation, ouvre en 1866, à Paris, une imprimerie qui est la première à proposer des affiches illustrées lithographiées en couleurs, une technique qui sera majoritairement celle des affiches pendant un siècle environ. Fils d’un typographe, il réalise sa première affiche en 1858 pour l’opérette “Orphée aux enfers d’Offenbach” qui connaîtra un véritable succès. Sa production d’affiches pour les spectacles et la publicité jusqu’en 1900 est considérable et ses talents de dessinateur le font reconnaître comme artiste par nombre de ses contemporains.

Ses affiches les plus célèbres montrent d’élégantes et séduisantes jeunes femmes (les Chérettes) qui font la promotion de nombreux produits tels que des voitures ou encore des expositions, des représentations au “Moulin-Rouge” et aux soirées du «Bal de l’Opéra» ou au «Palais de Glaces». Jules Chéret (1836-1932), auquel on attribue le titre de «père de l’affiche» a été le premier professionnel de la publicité. Ses affiches, considérées aujourd’hui comme des chefs-d’œuvre, sont exposées dans de nombreux musées et sont très prisées des collectionneurs.

D’autre artistes…

D'autres artistes européens, comme Mucha, Dudovich ou Hohenstein ont également contribué à l'âge d'or de l'affiche mais, le but ici n’est que d’aborder la transformation des loisirs modernes à la Belle Époque et de vous donner l’envie de prolonger vous-même ces recherches !

Sources et inspirations :

“Les reproductions des œuvres sont utilisées à des fins éducatives et culturelles”.

• Ernest Montaut

• Toulouse Lautrec

• Musée d’art de San Diego

• Leonetto Cappiello

• Musée Cappielo

• Jules Chéret

A la semaine prochaine pour une nouvelle aventure !
Alix, l’Art en Voyage.

Chaque semaine, recevez un article culturel que j’ai conçu avec beaucoup de rigueur pour vous donner envie de prolonger vous-même vos découvertes !

1880 – Mary Hayllar, La Partie de tennis

Artiste britannique issue d’une famille qui ne comptait pas moins de cinq peintres talentueux, (Alexandra) Mary Hayllar, devenue plus tard Mary Watkins Wells (1862–1950) reçoit, avec ses autres sœurs, une formation qui lui a permis d’exposer à la Royal Academy. Dans son tableau “La Partie de tennis”, on pourrait dire que tout n’est que luxe, calme et raffinement ! Robes longues, raquettes et ambiance estivale : le tennis est encore un divertissement bourgeois et familial. La porte fenêtre est ouverte vers un jardin où se déroule la partie. Au premier plan, une magnifique table couverte d’argenterie et d’assiette de fruits qui n’attend plus que les convives…

1927 – Aleksandra Beļcova, La Joueuse de tennis

Selon le Musée national d’art de Lettonie, le modèle qui a servi pour le tableau d’Aleksandra Beļcova, pourrait être la légendaire joueuse de tennis française Suzanne Lenglen (1899-1938), première star féminine de ce sport et première athlète féminine de niveau international. Autre possibilité : l’amie de l’artiste, Biruta Ozoliņa (1905-1982). Aleksandra Beļcova apporte, ici, dans ce portrait de joueuse aux formes élégantes, une touche moderniste épurée et poétique témoignant de l’internationalisation du tennis et de la présence croissante des femmes dans l’art moderne.

1929 – Lotte Laserstein, Die Tennisspielerin

Lotte Laserstein signe ici l’un des plus beaux portraits du tennis féminin. Son modèle, Gertrud « Traute » Rose, apparaît forte, concentrée, presque androgyne dans sa tenue sportive. Le regard direct, l’attitude assurée malgré sa position assise, le corps sculpté par l’effort : Laserstein capture avec une précision clinique et une grande émotion la « Nouvelle Femme » des années 1920. C’est un tableau puissant, moderne et très actuel.

1930 – Marguerite Mary Darbour, Le Jeu de Paume

Ambiance estivale et colorée d’un magnifique jardin dans ce tableau qui évoque le film « le Jardin des Finzi-Contini « de Vittorio de Sica. Chaise longue, parasol, famille et élégants profitent du jardin et du court de tennis. Marguerite Mary Darbour peignait des figures, portraits, nus et des paysages. Artiste-peintre française, née à Florence, elle expose au Salon des indépendants de Paris et devient membre permanent en 1903. A partir de 1920, elle expose au salon des Tuileries et au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts dont elle devint membre en 1922.

Alix,
L’Art en Voyage

Sources et inspirations :

“Les reproductions des œuvres sont utilisées à des fins éducatives et culturelles”.

• Mary Hayllar, Wikimedia Commons

• Aleksandra Beļcova, Musée national d’art de Lettonie

• Lotte Laserstein, Musée Städel

• Marguerite Mary Darbour, Chairish

Chaque semaine, recevez un article culturel que j’ai conçu avec beaucoup de rigueur pour vous donner envie de prolonger vous-même vos découvertes !

Le peintre irlandais John Lavery (1856-1941) capture, ici, une partie de tennis mixte sur gazon dans un jardin anglais. Robes longues, ombrelles et élégants en flanelle blanche : le tennis est encore un rituel social raffiné. Apparu dans les années 1870, le tennis sur gazon a été inauguré à Wimbledon en 1877 et se trouvait, alors, à un stade intéressant de son développement.

Avec une touche légère et un format monumental (76,2 × 183 cm), Lavery crée une oeuvre harmonieuse à l’atmosphère douce et lumineuse. Malgré son apparente spontanéité, le tableau est une œuvre savamment construite et témoigne d’une solide maîtrise du pinceau. Fait rare pour l’époque victorienne : hommes et femmes jouent ensemble, signe d’une modernité naissante. L’oeuvre est conservée à l’Aberdeen Art Gallery and Museums.

1893 – Albert Lynch, Lawn Tennis on the Normandy Coast

Direction la côte normande avec Albert Lynch ! Une jeune femme en jupe longue s’apprête à servir tandis que son partenaire semble plus intéressé par une conversation galante avec une élégante voisine. Avec des couleurs claires et une lumière vibrante, Albert Lynch excelle dans ces scènes estivales raffinées. Le tableau respire le luxe discret, la séduction légère et l’art de vivre de la Belle Époque où le tennis restait avant tout un plaisir mondain.

1908-1914 – François Flameng, Portrait de Max Decugis

François Flameng (1856-1923), spécialiste des portraits officiels, donne ici au tennis français une dimension plus sérieuse. Max Decugis, grand champion d’avant-guerre et multiple champion de France, est représenté avec élégance et prestance. Le style académique précis et flatteur de Flameng met en valeur la stature du champion. Ce portrait marque une transition importante : le tennis n’est plus seulement un loisir de bonne société, il devient un sport de haut niveau où la France veut briller.

1913 – Maurice Denis, Nausicaa, jeu de balle

Membre fondateur du groupe des Nabis, Maurice Denis (1870-1943) transpose les antiques jeux de balle de Nausicaa, inspirés par l’Odyssée d’Homère, en une interprétation moderne d’une partie de tennis. Les joueuses évoluent avec grâce dans des demi-tons doux et harmonieux, typiques de l’esthétique nabi et marquant la volonté d’attribuer une valeur décorative à la peinture (les Nabis vouent une passion pour le décor car c’est, selon eux, une façon d’intégrer l’art à la vie quotidienne).

Avec ses grands aplats de couleur, ses contours simplifiés et son influence des estampes japonaises, Maurice Denis crée, dans ce tableau, une atmosphère intemporelle où le tennis devient une célébration presque sacrée du corps et de la nature.

1917 – André Lhote, Double mixte avec Suzanne Lenglen

Dans « Double mixte avec Suzanne Lenglen », le cubiste André Lhote décompose le mouvement, les corps et l’espace avec une géométrie dynamique. On y perçoit toute la puissance du joueur en premier plan et l’énergie du jeu tout en conservant une élégance moderne. Lhote applique une approche cubiste modérée (ou « cubisme de salon »). Contrairement à Picasso et Braque qui fracturent radicalement la forme, Lhote garde une lisibilité plus grande tout en intégrant les principes cubistes : plans géométriques imbriqués, lignes de force et perspectives multiples pour suggérer la simultanéité du mouvement.

1920 – George Bellows, Tennis Tournament

George Bellows (1882-1925), figure majeure du réalisme américain au début du XXe siècle, est fréquemment classé parmi les artistes du mouvement Ashcan en raison de la rudesse des sujets qu’il représente. Bien qu’il soit surtout connu pour ses tableaux de boxe (un sujet populaire et ancré dans la classe ouvrière), il s’est également intéressé aux univers sportifs plus aristocratiques comme le polo et du tennis.

Bellows, qui pratiquait lui-même le tennis, capture magnifiquement l’atmosphère générale d’une compétition de tennis. Les personnages et le paysage sont peints par touches libres, la palette est dominée par des verts profonds avec une lumière inspirée par des touches de couleur à base de jaune.

1921 – René Vincent, Tennis with Mademoiselle Suzanne Lenglen

Grand illustrateur de l’entre-deux-guerres et figure de l’Art Déco, René Vincent capture la championne en pleine action avec un trait fluide, des couleurs raffinées et un sens remarquable du mouvement. Son œuvre Tennis with Mademoiselle Suzanne Lenglen forme un pont idéal entre la peinture et l’affiche, pleine de vie et d’élégance mondaine.

René Vincent maîtrise une technique illustrative élégante et linéaire. Son trait est fluide, précis avec des couleurs vives et raffinées appliquées en aplats ou en dégradés légers. Proche de l’affiche et de l’illustration de mode, il accentue le mouvement par des courbes dynamiques et un sens aigu de la composition. La touche est nette, pensée pour être lue rapidement tout en conservant un grand raffinement graphique, typique des Années Folles. De la future communication visuelle !

1928 – Vicente do Rego Monteiro, Tennis

Figure majeure du modernisme brésilien, le peintre et poète Vicente do Rego Monteiro (1899-1970) a résidé plusieurs fois à Paris où il a pleinement participé à la vie artistique de Paris. Le thème du tennis, très en vogue dans les années 1920, va inciter l’artiste à créer trois toiles sur ce sujet dont ce « Tennis 1928 » représentant un homme et une femme qui participent à un tournoi.

Le peintre propose une vision moderniste et géométrique du tennis. Influencé par Fernand Léger, il utilise des formes tubulaires puissantes et une stylisation marquée. La joueuse en robe blanche semble presque danser. Cette toile témoigne de l’internationalisation du sujet et de l’entrée du tennis dans l’art moderne non-européen.

L’explosion moderne du tennis, la conclusion

En quelques décennies seulement le tennis passe, dans l’art comme dans la société, des longues robes victoriennes et des après-midis mondains aux jupes plissées, au mouvement libre et à la starification. Les touches impressionnistes laissent place aux lignes cubistes, aux aplats Art Déco et aux visions plus modernes.

Alix,
L’Art en Voyage

« Les reproductions des œuvres sont utilisées à des fins éducatives et culturelles.
Sources : Beaux-Arts Magazine, Meisterdrucke et autres bases d’art. »

Sources et inspirations :

• Aberdeen Art Gallery and Museums.

• Swindon Art Gallery, England.

• Musée National du Sport, Nice.

• Beaux-Arts Magazine

Chaque semaine, recevez un article culturel que j’ai conçu avec beaucoup de rigueur pour vous donner envie de prolonger vous-même vos découvertes !

En 1876, Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) peint l’un des chefs-d’œuvre les plus emblématiques de l’impressionnisme : “Le Bal du Moulin de la Galette”, scène lumineuse et vibrante où les Parisiens semblent retrouver le goût des plaisirs simples après plusieurs années de bouleversements politiques et sociaux. Situé sur les pentes de Montmartre, « le Moulin de la Galette » était, à la fois, un moulin à vent (comme il en existait de nombreux sur la Butte-Montmartre depuis le Moyen-Age), un restaurant et un lieu de bal populaire où l’on pouvait danser le dimanche après-midi jusqu’à la tombée de la nuit, en mangeant des galettes. L’ambiance joyeuse attirait les ouvriers ou les artistes qui cherchaient de nouveaux modèles mais aussi certains bourgeois venus s’encanailler.

Une scène vivante et lumineuse

Ce qui rend cette œuvre si particulière, c’est sa lumière. Renoir maîtrise comme personne l’art de faire danser le soleil sur la peau, sur les tissus, sur les visages. Les couleurs sont chaudes, les contours flous, presque caressants. On perçoit la chaleur humaine qui émane de chaque personnage. Pierre-Auguste Renoir, le
« peintre du bonheur » choisit d’immortaliser un moment simple de la vie quotidienne avec la représentation de cette fête populaire, un thème ancré dans la vie parisienne de l’époque, dans un format imposant et un style très novateur à l’époque. Au centre du tableau, des couples dansent pendant que d’autres sont attablés et discutent. La lumière filtre à travers les feuilles des acacias, créant ces fameuses taches de soleil qui voltigent sur les robes et les chapeaux. Tout respire la légèreté, le mouvement et le plaisir partagé. L’artiste transforme une guinguette populaire en un véritable hymne à la joie de vivre. C’est un tableau qui respire, qui invite à sourire, qui donne envie d’être là, parmi ces danseurs insouciants. Au-delà de la fête, Renoir nous offre aussi un regard tendre sur son époque : celle des bals populaires, des dimanches parisiens, des amours naissantes et des moments partagés. Il peint la vie telle qu’il l’aime : douce, sensuelle et pleine de lumière.

« Je sais bien qu’il est difficile de faire admettre qu’une peinture puisse être de la très grande peinture en restant joyeuse. »

Auguste Renoir

Les personnages du tableau : une galerie vivante

Renoir n’a pas peint des figures anonymes. Il a réuni autour de lui ses amis artistes, ses modèles préférés et des habitués de Montmartre. Le tableau est, à la fois, une scène de genre et un véritable portrait de groupe. Au premier plan, à droite (le groupe attablé) :

• Estelle Samary (en robe rayée bleue et rose) : sœur cadette de la célèbre actrice et modèle Jeanne Samary. Âgée d’environ 16 ans, elle est la figure féminine assise la plus visible. Jeanne, elle-même, modèle favori de Renoir à l’époque, n’a pas posé pour ce tableau (elle était alors occupée ailleurs).

• Pierre-Franc Lamy (1854-1919) : peintre et graveur, ami proche de Renoir. Il apparaît souvent dans ses œuvres (notamment La Balançoire).

• Norbert Goeneutte (1854-1894) : peintre et illustrateur, autre membre du cercle impressionniste.

• Georges Rivière (1855-1943) : jeune critique d’art et ami fidèle de Renoir. Il le défend dans la presse et écrira « Renoir et ses amis », en 1921, où il narre ses souvenirs.

Parmi les danseurs et figures centrales :

• Marguerite Legrand, dite « Margot » (1856-1879) : l’un des modèles les plus importants et les plus proches de Renoir entre 1875 et 1879. Elle danse avec Pedro Vidal de Solares y Cárdenas, un peintre cubain installé à Paris.

• Paul Lhote (1850-1894) : militaire, marin puis journaliste. Ami très proche de Renoir (il sera témoin à son mariage).

• Pierre-Eugène Lestringuez (1847-1908) : fonctionnaire au ministère de l’Intérieur, également futur témoin au mariage de Renoir.

Pourquoi ces identités comptent-elles ?

Renoir mélange volontairement le cercle intime de ses amis (artistes, écrivains, modèles) avec l’atmosphère populaire du bal. Cela crée une sensation d’authenticité et de fraternité : bourgeois bohèmes, artistes, couturières et ouvriers se côtoient joyeusement. Cette mixité sociale et cette tendresse humaine sont au cœur du génie du tableau. Contrairement à une scène réaliste photographique, Renoir recompose, légèrement, la scène pour en faire un hommage à son entourage tout en célébrant la joie collective de Montmartre.

La révolution impressionniste

Renoir est souvent apprécié pour l’importance qu’il accorde à la lumière, à la couleur et à la figure humaine. Alors que de nombreux impressionnistes mettaient l’accent sur le paysage, l’œuvre de Renoir célèbre les interactions humaines, la beauté de la vie quotidienne et le dynamisme de la vie sociale. Ce qui le distinguera au sein du mouvement impressionniste.

Techniquement, l’artiste pousse l’impressionnisme à son paroxysme :

• La touche divisée et vibrante : il utilise de petites touches de couleur pure juxtaposées plutôt que mélangées sur la palette, ce qui va créer une vibration lumineuse extraordinaire.

• Le jeu de la lumière : la lumière n’est plus un éclairage uniforme, elle devient le véritable sujet du tableau.

• Le flou et le mouvement : les contours sont volontairement adoucis pour traduire le mouvement des danseurs et l’atmosphère animée du bal.

• La palette claire : tons pastel, roses, bleus, jaunes et blancs dominent, loin des bruns sombres de la peinture académique de l’époque.

Renoir ne cherche pas la précision photographique, il veut capturer l’impression fugitive d’un instant de bonheur.

Un pont vers Toulouse-Lautrec

Vingt ans plus tard, un autre artiste va lui aussi immortaliser Montmartre, mais sous un angle très différent. Là où Renoir peint la joie diurne et populaire du bal en plein air, Toulouse-Lautrec descendra dans la nuit des cabarets et des dancings pour en révéler l’énergie plus crue, les stars du cancan et l’atmosphère électrique. Les deux artistes, à quinze ans d’intervalle, capturent chacun à leur manière l’âme festive de Montmartre : Renoir avec la douceur impressionniste, Lautrec avec la force graphique de l’affiche.

Renoir au Musée d’Orsay

1. En 2026, le chef-d’œuvre «Bal du moulin de la Galette» (1876) fête ses 150 ans. Pour marquer cet anniversaire, le musée d’Orsay consacre une rétrospective d’envergure pour l’artiste. Près d’une cinquantaine de toiles, toutes réalisées au cours des vingt premières années de sa carrière (1865-1885) y sont rassemblées. Vous pourrez voir : «La Grenouillère», «Les Parapluies» ou encore «Le Déjeuner des canotiers», exceptionnellement prêté par la Phillips Collection de Washington. Jusqu’au dimanche 19 juillet 2026.

2. Renoir dessinateur
   Dessins à la mine de plomb, pastels, aquarelles, vous pourrez vous immerger au plus près des recherches de l’artiste sur la lumière, la forme et la couleur.
   Jusqu’au dimanche 5 juillet 2026.

Alix,
L’Art en Voyage

P.S. : Le moulin de la Galette est passé de guinguette populaire à un restaurant prisé des personnalités dans les années 1980 (83, rue Lepic, Paris).

Sources et inspirations :

• Musée d’Orsay

• L’Histoire par l’image

Marcelle Lender dansant le boléro dans Chilpéric

C’est l’un des plus grands tableaux de Toulouse-Lautrec. Comme vous pouvez le voir sur la reproduction ci-dessus, les couleurs sont harmonieuses, les personnages expressifs. L’actrice occupe le centre de la composition, elle est vêtue d’un costume d’inspiration espagnole essentiellement composé de noir. Le portrait que Toulouse-Lautrec fait d’elle est à la fois dynamique et plein de sensualité, on l’imagine retraçant des dizaines de fois les lignes de son corps jusqu’au résultat désiré. Ses lèvres sont minces et rehaussées d’un filet de rouge à lèvres carmin, son visage est pâle, ses sourcils brun foncé. Deux fleurs roses presque plus grandes que son visage illuminent sa chevelure rousse flamboyante. Le corsage noir de sa robe est orné de manches bouffantes et son décolleté carré plongeant.

Lautrec exprima sa brève mais intense passion pour l’actrice à travers ce tableau représentant la scène qu’il affectionnait particulièrement lorsque la princesse Galeswinthe (Marcelle Lender) exécute le boléro pour son futur époux et sa cour. Sur scène, tous les regards convergent vers elle ! Du roi Chilpéric assis sur son trône jusqu’à Don Nervoso, le frère de Galeswinthe, qui contemple le dos de l’actrice à l’extrême droite avec une expression manifeste ! Peut-être un clin d’œil de Lautrec qui se représente lui-même sur la scène !

La Belle Epoque, Lautrec et les belles de Montmartre

Le quartier de Montmartre est en pleine effervescence culturelle, notamment, depuis l’ouverture, en 1881, du cabaret du Chat-Noir qui donne sa chance à de jeunes chansonniers et dessinateurs. Plusieurs revues émergent et deux d’entre elles (Le Courrier Français et Le Mirliton) accueillent les premières collaborations de Toulouse-Lautrec avec la presse. Bruant, le compositeur qui dirige le Mirliton demande à Toulouse-Lautrec de dessiner des images pour ses chansons et lui propose le Mirliton comme lieu d’exposition.

Grâce à cela et au fait que ses dessins étaient imprimés dans le magazine Mirliton de Bruant, Lautrec commence à recevoir des demandes de travail et gagne en notoriété. Son immersion dans les cabarets de la Butte Montmartre dont tous les parisiens raffolaient (le Chat Noir, le Moulin-Rouge, etc.) va lui fournir des sujets d’étude à foison. Danseuses, comédiennes ou prostituées, ses sujets d’études s’appelleront Yvette Guilbert, Jane Avril ou La Goulue. Douces, rebelles ou d’une sensualité explosive, Lautrec va les croquer avec un sens aigu de l’observation, sans complaisance, seules ou accompagnées de leurs clients.

En 1892, il va aussi découvrir l’artiste américaine Loïe Fuller dans son spectacle aux Folies-Bergère. Le Tout Paris acclame cette « fée Lumière » et Lautrec n’y échappera pas. Fasciné par la liberté d’invention de l’artiste (et sa beauté électrique), il ira la voir plusieurs fois sur scène.

Marcelle Lender (1862-1926)

Selon les informations de la National Gallery de Washington, Lautrec rencontre Marcelle Lender pour la première fois, en 1893, année où il commence à fréquenter assidûment les théâtres. Mais, ce n’est vraiment que deux ans plus tard lorsqu’elle interprète le rôle principal de la princesse Galeswinthe dans la reprise de Chilpéric qu’il va se passionner pour cette jeune artiste. Jouée au Théâtre des Variétés à Paris, l’opérette raconte l’histoire de Chilpéric, roi des Francs qui s’allie aux Wisigoths d’Espagne en épousant la princesse Galeswinthe afin de consolider son pouvoir. Pendant les trois mois de représentations de l’opérette (du 1^er février 1895 au 1^er mai 1895), Lautrec va y assister plus d’une vingtaine de fois, essentiellement pour voir sa belle danser le boléro, costumée en espagnole. Il va dessiner et étudier la morphologie de l’actrice, avec assiduité, réalisant finalement six lithographies inspirées de sa prestation dans Chilpéric et deux tableaux.

Où voir l’œuvre ?

L’original est conservé à la National Gallery of Art, à Washington D.C.

Sur les traces du peintre

1. A Albi, le Musée Toulouse Lautrec propose la collection publique de l’artiste la plus importante au monde avec un parcours allant de ses débuts jusqu’à l’année de sa mort.

2. A Saint-André-du-Bois (33490), découvrez le Château Toulouse Lautrec qui propose, toute l’année, des visites culturelles et oenologiques, des chambres d’hôtes et des animations.

Alix,
L’Art en Voyage.

Sources et inspirations :

• Histoire de Paris

• National Gallery of Art, Washington D.C.

• The Cabinet Card Gallery

• RetroNews : Le Fin de Siècle du 16 septembre 1891

Ce que l’on perçoit dans l’œuvre

C’est le lever de rideau, la ballerine fait une révérence. En regardant la scène, on s’imagine à l’époque parmi les autres spectateurs dans une loge en étage, sans doute grâce à la vue en contre-plongée choisie par Degas pour illustrer son propos. On pourrait presque percevoir les bruits des applaudissements qui crépitent, les sourires et les accolades. Au centre, la jeune ballerine baigne dans la lumière et se tient légèrement de biais. La couleur claire de son tutu tranche avec le costume noir de l’homme caché derrière le rideau, ombre menaçante qui l’observe. Notre œil est immédiatement attiré par ce qui se trame en coulisse.

Edgar Degas et les danseuses

Dans les milieux de l’aristocratie et de la grande bourgeoisie, la musique faisait partie intégrante de l’éducation. Degas, qui en est issu, n’échappe pas à cette règle. Dès l’âge de vingt ans, il fréquentait déjà assidûment l’Opéra.

Introduit dans les coulisses de l’Opéra, en 1872, par un musicien de l’orchestre, Degas observera le travail des ballerines dans leur quotidien, plusieurs années durant. Il fréquentera d’abord l’Opéra de la rue Le Peletier qui a pris feu en 1873 et, ensuite, l’opéra Garnier inauguré dans la ville de Paris, en 1875.

Après beaucoup d’obstination auprès de l’administration, il réussira à devenir un « abonné ». Le système « d’abonnés » était la plus grande distinction pour un habitué de l’Opéra car cela lui donnait accès aux coulisses et, surtout, au Foyer de la danse où se retrouvait toutes les danseuses pendant les entractes ou avant le spectacle.

Devenu familier des coulisses, Degas observe leur travail, au cours des répétitions sur scène ou dans la classe de danse, là où les corps sont mis à rude épreuve. Dans ses croquis préparatoires, il traque la tension, le mouvement, les efforts suite aux longues heures de travail mais aussi les moments de détente, les rencontres entre les filles et leurs protecteurs, ces hommes habillés en noir (financiers, mondains ou grands noms de la noblesse) qui utilisent les coulisses de l’Opéra pour mieux les approcher.

L’envers du décor

À la fin du XIXe siècle, les jeunes ballerines de l’Opéra de Paris évoluent dans un univers exigeant, fait de discipline et de répétitions constantes. Issues pour beaucoup de milieux particulièrement défavorisés, celles qui ont l’opportunité de devenir danseuses deviennent l’espoir pour leur famille de les sortir de la pauvreté. Et comment ne pas comprendre qu’elles puissent rêver d’une autre existence pour se hisser dans la bonne société !

Dans ce contexte, la frontière entre admiration, protection et dépendance devient parfois floue pour ces jeunes filles qui étaient sous l’influence de leur famille et la générosité de leurs mécènes.

En laissant apparaître la silhouette masculine dans l’ombre, Degas introduit dans son oeuvre “Le Ballet” une réalité plus complexe, presque inconfortable. La scène n’est plus seulement celle d’un spectacle mais celle d’un monde où la grâce s’accompagne de contraintes invisibles. Derrière la légèreté du tutu se devine une forme de tension, entre apparition publique et réalité sociale. Certains chercheurs supposent même que les danseuses qui passaient le plus de temps en coulisses avec leurs abonnés obtenaient de meilleurs rôles pour les représentations.

Ce que le peintre veut nous montrer

Degas ne juge pas. Il observe comme un témoin de son époque et nous révèle la face cachée du spectacle. Ce qu’il suggère dépasse la seule représentation du ballet. A travers son art, il nous livre des informations sur la pratique de la danse au XIXe siècle et notamment sur les conditions de travail des jeunes danseuses de l’Opéra. Derrière la beauté des tutus et la grâce des mouvements, Edgar Degas observe un autre monde, celui des répétitions à outrance, de la fatigue qui brise les corps et d’un univers social plus ambigu où certaines danseuses dépendaient du regard et, parfois, du soutien des hommes qui fréquentaient les coulisses de l’Opéra.

Où voir l’œuvre ?

L’original est conservé au Musée d’Orsay, à Paris.

Sur les traces du peintre

Edgar Degas est né à Paris, rue Saint-Georges, dans le 9eme arrondissement. Il vivra quasiment toute sa vie, à quelques rues de son lieu natal, autour du quartier de Pigalle, entre les rues Victor Massé, Pierre Fontaine ou Frochot (liste non exhaustive).

Le célèbre café Guerbois — anciennement dans le village des Batignolles — fut le lieu incontournable de ses camarades impressionnistes (de 1863 à 1873) et, notamment, Edouard Manet qui avait un atelier juste à côté.

Autre époque, autre lieu. A l’emplacement du café Guerbois correspond, actuellement, la localisation d’une marque de vêtement au 9, avenue de Clichy, 75017 Paris.

Alix,
L’Art en Voyage.

Sources bibliographiques :

• BNF, Edgar Degas.

• Histoire en image : https://histoire-image.org/etudes/classe-scene-ballet-opera-paris-edgar-degas

• BNF Gallica.

1) John Singer Sargent, la silhouette et le scandale

Nous sommes en 1884. John Singer Sargent souhaite consolider sa position de peintre mondain, à Paris, en présentant au Salon “Madame X” (Virginie Amélie Gautreau). Il pense vraiment avoir réalisé l’œuvre idéale. Son portrait dépasse le simple exercice mondain, il montre une femme libre, affirmée, dans une robe noire au décolletée audacieux et au profil altier.

Mais, le succès ne tient parfois qu’à un détail (ou un fil). Rien ne se passe comme prévu et la bourgeoisie s’indigne devant le portrait de cette silhouette féminine affirmée et jugée provocante : une poitrine à peine dissimulée et, surtout, cette bretelle droite légèrement tombante. Sous la pression, John Singer Sargent quitte Paris pour s’installer à Londres où il reconstruira, brillamment, sa carrière.

Certains peintres comme John Singer Sargent avaient déjà compris, presque instinctivement, le langage des vêtements. Avec le recul, “Madame X” continue d’inspirer, un siècle plus tard, les créateurs de mode et les photographes contemporains.

2) Giovanni Boldoni, le mouvement et la modernité

Année 1890, Paris. Giovanni Boldini est devenu le peintre des femmes.
Les élégantes se pressent pour être immortalisées sur la toile de ce portraitiste virtuose qui va même jusqu’au domicile de ses modèles pour sélectionner la plus belle robe qu’il juge adéquate à la réalisation de son tableau.

C’est lui qui dicte la mode, choisit les tissus et les maisons de couturiers telles que Doucet ou Worth. Le Tout Paris se l’arrache, on parle de « style à la Boldini ». Il va à l’opéra, au théâtre. Il rayonne, lui qui a compris dès son arrivée à Paris, la place centrale occupée par les femmes dans la vie sociale de la capitale.

Dans son portrait « Feu d’Artifice », l’identité du modèle reste inconnue mais peu importe, elle resplendit dans une robe de soirée en soie blanche, sa taille est affinée à l’extrême, ses formes épurées. Boldini la transcende, telle une fée ou une apparition qui scintille et brille de mille feux, avec une audace qui fait jaillir les mouvements du pinceau comme un feu d’artifice et dénotent une liberté dans le style, tout à fait inhabituel pour l’époque.

“ Les portraits de Monsieur Boldini sont toujours aussi étourdissants. Peut-être l’étonnerait on fort si l’on ajoutait que sa manière ne va pas sans analogie avec celle des peintres futuristes." Guillaume Apollinaire, 1913.

3) James Tissot, les codes et l’élégance

En 1871, James Tissot s’installe à Londres, tout juste revenu de la guerre franco-prussienne. Il y fréquente la haute société, reçoit dans son hôtel particulier de St John’s Wood et se lie avec des artistes comme James McNeill Whistler ou Edward Poynter. Comme à Paris, il observe avec précision les codes de la vie bourgeoise qu’il restitue avec une élégance parfois teintée d’ironie.

Chez Tissot, la femme occupe une place centrale. Il la représente dans des drapés et des soieries minutieusement reconstitués dans un art dont lui seul à l’étoffe. Chaque détail compte : le tissu devient une expression à part entière.

Vers 1875–1876, il rencontre Kathleen Newton, née Kelly, une jeune Irlandaise divorcée qui a deux enfants. Elle devient son modèle, sa muse et son grand amour. En rupture avec les conventions de l’époque, il l’installe chez lui, à St John’s Wood. A partir de cette rencontre, c’est le visage aux traits fins de Kathleen qui va irradier l’ensemble de son œuvre comme en témoigne « Octobre » ou c’est déjà son visage qui s’illumine dans le paysage, au milieu des feuilles d’automne.

Le format du portrait est vertical, inspiré par le style japoniste des rouleaux
kakemonos. Vêtue presque entièrement en noir, la jeune femme se retourne légèrement vers le spectateur (et l’artiste) comme dans un ultime au revoir. Kathleen Newton meurt de la tuberculose, en 1882. James Tissot quitte, alors, Londres, profondément marqué.

En 1869, le critique Élie Roy écrivait : « Si nos créations industrielles et artistiques venaient à disparaître, si nos coutumes et nos costumes tombaient dans l’oubli, un tableau de M. Tissot suffirait aux archéologues du futur pour reconstituer notre époque. »

Conclusion

À travers ces trois regards se dessine une même intuition : à la Belle Époque, déjà, le vêtement n’est plus seulement une façon de se couvrir, il devient un véritable outil d’expression.
Chez Sargent, il exprime la tension et le scandale.
Chez Boldini, il se fait mouvement et séduction.
Chez Tissot, il révèle les codes et les hiérarchies d’une société.

Trois approches différentes pour initier le concept d’industrie du luxe et de la mode, bien avant nos défilés et la Fashion Week. C’est peut-être pour cela que ces tableaux nous fascinent encore aujourd’hui. En les regardant, nous assistons aux prémisses de la mode contemporaine.

Alix,
L’Art en Voyage.

Le peintre américain Frederick Childe Hassam (1859-1935) a passé de nombreux étés sur les Isles of Shoals, un petit archipel rocheux au large du New Hampshire et du Maine.

Sur l’île d’Appledore, en particulier, il avait pour habitude de rejoindre son amie Celia Thaxter dans sa maison estivale, lieu très prisé à l’époque par beaucoup d’artistes, musiciens ou personnalités littéraires de la Nouvelle-Angleterre.

Dans le tableau « Poppies, Isles of Shoals », nous pouvons voir un large panorama centré sur un promontoire rocheux appelé Babb’s Rock et que Childe Hassam a immortalisé, à maintes reprises, tellement il aimait cet endroit inspirant.

Influencé par Claude Monet et les impressionnistes français découverts lors de ses séjours à Paris, Hassam capture ici l’essence même du style impressionniste qui lui permet de peindre une nature plus intime en comparaison de l’agitation des villes urbaines de la côte Est.

Entre 1890 et 1894, l’année de la mort de son amie Celia, il va réaliser de nombreuses œuvres remarquables dont la plupart représentent des scènes extérieures situées à proximité de son jardin fleuri, qu’elle aimait tant.

Où voir l’œuvre ?

L’original est conservé à la National Gallery of Art, à Washington D.C.

Actualité

Jusqu’au 7 juin 2026, l’exposition American impressionism à la Yale University Art Gallery (Connecticut) présente des dessins, estampes et peintures de Childe Hassam, Mary Cassatt, John Singer Sargent et d’autres grands impressionnistes américains.

Sur les traces de Childe Hassam

Sur l’île d’Appledore accessible en bateau (au large des côtes du Maine et du New Hampshire), vous pourrez explorer les rivages qui attiraient autrefois les pêcheurs et partir sur les traces de l’artiste grâce à des visites guidées du jardin reconstitué de Celia Thaxter qui l’inspirait tant.

Alix,
L’Art en Voyage.

Hier soir, un reportage TV sur le peintre américain John Singer Sargent m’a rappelé à quel point « le Portrait de Madame X » reste une œuvre fascinante ! D’ailleurs, ce portrait iconique d’une femme affirmée et libre a véritablement traversé les époques et inspire toujours les couturiers et photographes, plus d’un siècle plus tard. De Peter Lindbergh à Annie Leibovitz, nombreux sont ceux qui ont revisité sa silhouette élégante et son attitude fière…

Que voyons-nous dans le tableau ?

Une femme élégante, vêtue d’une robe noire au décolleté profond se tient de profil, la main délicatement posée sur un guéridon. Son teint est pâle, presque translucide, son regard distant et fier. Il se dégage d’elle une beauté froide, presque magnétique. Le modèle est Virginie Gautreau, une américaine mariée à un banquier français, figure remarquée de la haute société parisienne pour sa beauté et son allure d’artiste.

John Singer Sargent espère que l’élaboration de ce portrait lui apportera enfin la reconnaissance qu’il recherche. Travaillant avec une grande liberté, il ose dans la version originale laisser glisser la bretelle droite de la robe sur l’épaule de son modèle (un détail de trop pour l’époque). Le résultat ne se fait pas attendre et lorsque le tableau est exposé au Salon de Paris, en 1884, il provoque un scandale. L’audace du décolleté est jugé trop provocant, la pose indécente et sans parler de cette bretelle tombante !

Sargent est accusé d’avoir humilié son modèle au vu de son statut social, le scandale est patent et le portrait ne trouve pas preneur. Blessé par les critiques et toujours propriétaire de son oeuvre, Sargent finit par la rapporter dans son atelier. Il retouche son portrait en remontant la bretelle sur l’épaule dans une position plus « convenable ». Mais le mal est fait et l’œuvre n’est pas vendue. Blessé, il quitte Paris peu après pour s’installer à Londres où il reconstruira sa carrière, brillamment, auprès de la haute société anglo-saxonne.

Il conservera le portrait pendant plus de trente ans avant de le vendre au MET, en 1916, quelques mois après la mort de Virginie Gautreau.

Où voir l’œuvre ?

L’original est conservé au Metropolitan Museum of Art (Met), à New York.

Actualité

A la Galerie d’Art et Musée de la ville de Worcester (Angleterre) se tient, actuellement, l’exposition John Singer Sargent “Un américain dans le Worcestershire” (jusqu’au 14 juin 2026). Elle explore le rôle du peintre au sein de la colonie d’artistes de Broadway, ses étés passés dans le Worcestershire, son affranchissement des conventions académiques et ses expérimentations impressionnistes en plein air.

Alix,
L’Art en Voyage.

Peint en 1816, Wivenhoe Park, Essex est l’un des plus beaux exemples du talent de John Constable (1776-1837), peintre paysagiste anglais dont les tableaux sont aujourd’hui considérés parmi les plus populaires et les plus précieux de l’art britannique. Le tableau était, à l’origine, une commande d’un propriétaire terrien (qui était, aussi, son premier mécène) mais Constable y a glissé bien plus qu’un simple portrait de domaine en y ajoutant tout son amour pour la campagne anglaise.

Contrairement à Turner qui affichait souvent dans ses toiles des sentiments exaltés, l’art de Constable est toujours empreint de nostalgie et d’un désir ardent d’une vie simple et naturelle où les hommes vivraient en harmonie avec la nature.

Où voir l’œuvre ?

L’original est conservé à la National Gallery of Art, à Washington D.C.

Actualité

L’année 2026 marque le 250e anniversaire de la naissance de John Constable (1776-1837). Pour commémorer sa vie et son œuvre, les musées de Colchester et d’Ipswich présentent Constable 250, un programme d’expositions et d’activités dont le point d’orgue sera constitué par trois expositions majeures au manoir Christchurch d’Ipswich (voir les dates ici). Une belle façon de (re)découvrir l’univers romantique de l’artiste dans sa région d’origine !

Balade

Si vous êtes en Angleterre, une promenade dans la campagne de l’Essex – notamment autour de Dedham Vale ou de Flatford Mill – vous permettra de retrouver l’atmosphère si particulière des tableaux de Constable. En France, vous pourrez retrouver cette atmosphère paisible dans le jardin anglais du Petit Trianon, à Versailles. Créé pour Marie-Antoinette, ce jardin offre un cadre bucolique parfait, en harmonie avec le travail de l’artiste.

Alix,
L’Art en Voyage.

On y voit Camille Doncieux, sa femme et leur fils Jean, marchant dans un champ en pente, près d’Argenteuil. Ils semblent être interrompus dans leur balade par l’artiste lui-même qui les immortalisent sur la toile.

“Femme à l’ombrelle, Madame Monet et son fils” est un tableau vivant représentant une famille ordinaire dans un cadre naturel et champêtre. L’artiste a choisi une perspective basse avec Camille au premier plan qui domine la composition avec sa robe et son ombrelle qui oscillent dans le vent. Elle se retourne et regarde fixement le spectateur (et l’artiste). Leur fils Jean est placé un peu plus loin, caché derrière une petite hauteur de terrain et, créant de cette façon, une profondeur remarquable qui permet de capturer le mouvement spécifique du tableau.

À cette époque, Claude Monet vivait à Argenteuil, une petite ville au bord de la Seine. C’était pour lui une période intense d’expérimentation en plein air où il cherchait à saisir les effets passagers de la lumière et du vent. Ce tableau est l’incarnation même des principes fondamentaux du mouvement impressionniste avec une capture instantanée de sensations visuelles plutôt qu’une reproduction fidèle de la réalité.

Où voir l’œuvre ?

L’original est conservé à la National Gallery of Art, à Washington D.C.

Actualité

Au Musée Marmottan Monet à Paris – qui possède la plus grande collection d’œuvres de Claude Monet dans le monde – l’auteure Aurélie Castex viendra signer sa bande dessinée « Monet en quête de lumière » le samedi 11 avril 2026, à l’occasion du centenaire de sa mort. Une belle occasion de (re)découvrir l’artiste !

Balade après la visite

Offrez-vous une immersion dans le Jardin des Tuileries (ou au Parc Monceau). Ces jardins offrent une vraie respiration en plein cœur de Paris avec leur lumière changeante qui rappelle si bien l’atmosphère des promenades que Monet aimait peindre. Asseyez-vous sur un banc et laissez-vous envahir par l’instant présent comme l’aurait fait l’artiste. Parfois, il suffit d’une silhouette ou d’un paysage balayé par le vent pour se rappeler que la beauté surgit souvent dans les choses les plus simples.

Alix.

Portrait de Rosa Bonheur par Anna Klumpke (1898), Wikimedia Commons, domaine public.

À une époque où les femmes artistes devaient souvent se battre pour simplement exister, Rosa Bonheur vivait et travaillait comme elle l’entendait. En 1857, à l’encontre des conventions sociales, elle va même obtenir un permis de travestissement (dérogation préfectorale) pour porter le pantalon et pouvoir entrer dans les abattoirs (interdits aux femmes à l’époque) afin d’étudier l’anatomie des animaux !

Aujourd’hui, son atelier-studio au Château de By (à Thomery) est resté presque tel qu’elle l’a laissé, en 1899. On y retrouve sa blouse, ses pinceaux, ses carnets de croquis… jusqu’à ses mégots de cigarettes. L’atmosphère est particulière : on ressent encore la présence de l’artiste, comme si le temps s’était figé et qu’elle allait entrer dans la pièce pour nous rencontrer...

Si vous avez déjà visité le Château de Rosa Bonheur et l’atelier de l’artiste, n’hésitez pas à me dire, en commentaire, ce que vous avez ressenti sur place !

Alix.

Château de Rosa Bonheur

12, rue Rosa Bonheur 77810 BY-THOMERY

Réservations recommandées sur le site :
https://www.chateau-rosa-bonheur.fr/